Послушаем мы как гитарист немецкой хеви-метал группы "Accept" Вольф Хоффманн безжалостно препарирует бетховенскую "К Элизе" в гитарном соло композиции "Metal Heart" из одноимённого альбома 1985 года.
У Бетховена скорее всего пьеса называлась "К Терезе", ибо была создана в период сватовства к Терезе Мальфатти. Исследователь его жизни и творчества Людвиг Ноль, видевший в своё время автограф партитуры, стал жертвой неразборчивого почерка композитора.
А во вступлении к песне весьма тяжеловесно звучит цитата из "Славянского марша" Чайковского.
Британский клавишник и композитор Кит Эмерсон ещё до эпохи "Emerson, Lake & Palmer" играл в группе "The Nice". К репертуарным вершинам коллектива относится альбом 1968 года - Ars Longa Vita Brevis, где мы можем услышать рок-версию Эмерсона первой части оркестровой сюиты "Карелия" финского композитора Яна Сибелиуса - ослепительное Интермеццо.
Первоначально "Карелия" была написана к театральной постановке об истории Карельского края. Однако с годами критическое отношение к своему творчеству приобрело у Сибелиуса гипертрофированный характер. Композитор безжалостно рвал и сжигал рукописи прежних лет, что привело к уничтожению ценнейших произведений, в том числе большей части "Карелии". Композитор пощадил только увертюру, три части, вошедшие в сюиту и музыку к первой картине.
Итак, слушаем. Интермеццо начинается призывами медных на фоне вкрадчивого движения струнных, вызывая в воображении бескрайние заснеженные просторы. Постепенное нарастание напряжения в оркестре приводит к появлению простой и в тоже время вдохновенной маршеобразной мелодии: средневековые карельские охотники несут меха литовскому князю в качестве налога. Второе взрывное проведение темы ярко украшено ударными.
Лирико-драматическая кульминация моцартовского Реквиема – Lacrimosa – начинается с коротких плачущих интонаций оркестра, настраивающих слушателя на трагическую волну. Интонации скрипок передают стенания, и на этом фоне в хоре звучит полная печали минорная мелодия.
Невероятный ритм «Лакримозы» - 12/8, еле теплящийся, практически «неслышный пульс», редкие биения через 12 долей, вводит в особое переживание смерти. Это не погребальная процессия, это что-то более глубокое, не смерть физическая, но смерть идейная …
После вступления сразу звучит хоровое tutti, все партии. Хор очень аккуратно начинает петь на piano. В ритмическом рисунке появляется скорбный пунктир.
Первая музыкальная фраза повторяется дважды, после чего следует отрывистое поступенное восходящее движение, звучащее как строгий приговор.
Короткие интонации несогласия, возражения не принимаются. В оркестре возникает восходящее движение широкими длительностями – приговор окончателен, обжалованию не подлежит. Долгое финальное AMEN, разделённое на два слога как два неумолимых росчерка ставят крест на закончившейся жизни.
По словам солистки группы Evanescence Эми Ли кавер-композиция Lacrimosa изначально предназначалась в качестве саундтрека для фильма «Хроники Нарнии: лев, колдунья и волшебный шкаф». В итоге в фильм она не попала, а вошла седьмым треком в альбом 2006 года «The Open Door». Музыканты отходят от оригинальной тональности ре-минор, песня сыграна в ми-миноре. Но как это ни странно, готический вокал солистки довольно неплохо оттеняет «слёзный» мотив. Знающие же английский язык, могут в полной мере оценить депрессивность текста песни:
Out on your own,
Cold and alone again.
Can this be what you really wanted, baby?
Теперь рассмотрим обратный процесс. Героями нашего исследования станут американский композитор, создатель «музыки с повторяющейся структурой» Филип Гласс и британский музыкант Дэвид Боуи.
Филип Гласс был сыном эмигранта Бенджамина Гласса, который приехал в Америку и открыл магазин грампластинок. Молодой Филип вырос, слушая произведения Шёнберга, Бартока, Хиндемита и Шостаковича, непроданные пластинки которых отец, чтобы не забивать склад, приносил домой ящиками.
Позднее, познакомившись с творчеством Райха и Кейджа, а затем, творчески переработав и то, и другое, Гласс написал свои первые «фирменные» произведения. Например, в композиции «Две страницы для Стива Райха» музыкальная фраза или сегмент фразы повторяется в постоянно меняющихся конфигурациях. Когда искушенная манхэттенская публика услышала эту музыку, она заметила в ней параллели с современным визуальным искусством и нарекла новый стиль «минимализмом». Некоторые критики отреагировали на минимализм с восторгом, признав в нем подлинно оригинальное американское звучание; других приводили в ужас «отупляющие» повторы. Сам Гласс себя «минималистом» не считает — он предпочитает термин «классицист».
В период с 1977 по 1979 годы сотрудничество Дэвида Боуи с композитором Брайаном Ино привело к созданию так называемой «Берлинской трилогии»: трёх концептуальных альбомов «Low», «Heroes» и «Lodger». Характерной чертой этих пластинок стало включение в их состав большого количества инструментальных композиций. И Боуи и Ино утверждали, что вдохновлялись музыкой Гласса.
В свою очередь в 1992 году Филип Гласс пишет на заказ Симфонию № 1, в основу которой легли треки с альбома «Low». Премьера Low Symphony состоялась в 1993 году. Произведение, созданное на стыке академического минимализма и современной музыки, пришлось по вкусу почитателям как одного, так и другого. Круг замкнулся. Тем не менее, Гласс решил не останавливаться на этом и спустя несколько лет написал Симфонию № 4, исходным материалом для которой послужил альбом «Heroes».
Сегодня оценка этих произведений критиками и слушателями расходится. При однозначном одобрении профессионального сообщества, не все слушатели готовы к восприятию такой музыки, потому что симфонии Гласса нельзя отнести ни к классике, ни к року — они получились странными для поклонников обоих направлений. Несмотря на это, сочинения Гласса остаются великолепным примером взаимодействия академической и рок-музыки.
«В пещере горного короля» из оркестровой сюиты Эдварда Грига к драме Генрика Ибсена «Пер Гюнт» давно входит в хит-парад самых узнаваемых классических произведений. Как известно, в своей пьесе Ибсен использовал элементы норвежских народных сказок, насытив их современным чертами. Его драма проникнута пафосом протеста, бунта человеческой личности против сковывающих и уродующих её социальных условий. Задача Грига, как ни странно, была противоположной: приблизить своей музыкой содержание пьесы к народно-поэтическим, жанровым источникам.
Главный герой пьесы – Пер Гюнт – увлекается дочерью Доврского Деда, властителя горных недр и соблазняет её. Король в сопровождении своих троллей вступает в тронную пещеру. Свита монарха требует расправы над вероломным человеком. Григ мастерски разворачивает музыку этой сцены – от таинственно звучащего проведения темы в басах, постепенно усиливая динамику и повышая регистр, к мощному и звонкому её проведению.
«В пещере горного короля» «пережила» десятки интерпретаций, от джазовых до симфо-роковых. Ей не хватало только слов. Жена Ричи Блэкмора певица Кэндис Найт восполнила этот пробел, написав текст на английском языке. Получилась песня «Hall of The Mountain King», которую исполнила группа Rainbow (альбом «Stranger In Us All», 1995 год). В гитарном соло мы также услышим несколько тактов из другой пьесы Грига - «Утро». Видимо, чтобы ни у кого не осталось сомнений о настоящем авторе музыки.
Слушаем композицию Plug In Baby британской рок-группы Muse. В октябре 2010 года читатели журнала Total Guitar в ходе голосования признали группу Muse авторами лучшего гитарного риффа первого десятилетия XXI века. И это не первая победа фронтмена группы Мэттью Беллами. Рейтинг лучших риффов нулевых возглавила всё та же песня.
Мы же в этом риффе легко угадываем фигурации из самого известного сочинения Иоганна Себастьяна Баха - Токкаты и Фуги Ре минор (BWV 565), произведения с беспредельной мощью звучания, драматической патетикой, редким богатством и разнообразием виртуозных средств.
В 1758 году М.И. Адлунг произнёс пророческую фразу: "Те, кто слушал многих музыкантов, справедливо говорят: в мире был только один Бах". Рок-музыканты любят Баха. Его цитируют, ему подражают, с ним пытаются спорить. Как-то уж очень сильно повлияло его творчество на будущие поколения гитаристов, клавишников и даже ударников.
Представляем композицию «Mr. Crowly», написанную Оззи Осборном и Рэнди Роадсом в 1980 году.
Песня начинается вступлением на электронном органе, дважды повторяющего последовательность аккордов в барочном стиле. Минорная тональность, мрачный тембр и зловещее повторение создают эффект таинственности и гибели. Куплет и первое гитарное соло основаны на «металлизированных» барочных аккордах: Dm - Bb - C - Dm - Bb -Em7b5 - Asus4 - A. Переход от Bb обратно вверх через C (последовательность bVI – bVII - I) нехарактерен для музыки барокко, где bVI обычно разрешается до V, но прекрасно подходит для хэви-метала для создания атмосферы эпичности и мистики в агрессивном эолийском ладу. Схожая секвенция лежит в основе второго гитарного соло в конце песни, но это более простой «вивальдиевский» квинтовый круг: Dm - Gm7 - C - F - Bb - Em7b5 - Asus4 - A.
До тех пор, пока хэви-метал не подвергся влиянию академической музыки, такие последовательности были необычны в рок-музыке, основанной, как известно, на блюзе. Квинтовый круг был принят хэви-металом, из-за своего архаично-фатумного звучания. И первое соло Рэнди Роадса в «Mr. Crowly» - это отчаянная борьба с неизбежностью. Во втором соло гитарист использует весь свой арсенал виртуоза: стремительные арпеджио, тремоло, быстрые гаммы. Это соло является одним из известнейших в рок-музыке, занявшее первое место в списке лучших метал-соло по версии сайта DigitalDreamDoor.com.
В октябре 1977 года английская рок-группа «Queen» выпустила песню «Мы вас раскачаем», завоевавшую огромную популярность по всему миру. Композиция известна благодаря жёсткому ритму, оригинальному инструментальному сопровождению и запоминающемуся рефрену: We will, we will rock you. Мотив рефрена и топающий ритм Брайан Мэй позаимствовал из короткой оркестровой зарисовки «Фанфары для простого человека» (Fanfare for the Common Man) американского композитора Аарона Копленда, созданной в 1942 году по заказу Симфонического оркестра Цинциннати.
Толчком к написанию пьесы стала речь вице-президента США Генри Уоллеса, в которой тот отважился на критику американского триумфализма военного времени и предложил назвать наступающую эпоху «веком простого человека». «Народная революция на марше, – говорил Уоллес, – и ни дьявол, ни ангелы не смогут её победить».
Кстати, в марте того же 1977 года музыканты супергруппы «Emerson, Lake & Palmer» включили свою психоделическую интерпретацию «Фанфар» в студийный альбом Works. Volume 1, получив разрешение Копленда.
